Kelsey Lu / Blood

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もっとR&B寄りのサウンドを予想していたが、ジャズとチェンバー・ミュージックとエレクトロニカとモダン・クラシカルとアヴァンギャルドをポップにコーティングしたようなサウンドを総合して行き着いたイメージが最も近いのがUaというのに些か驚いた(M5やM11なんて特に)。
この音楽が高評価を得る現在の欧米のシーンなら、本気で「泥棒」以降のUaが発見される素地があるのではないだろうか。
等と思いながら聴いているせいか、若干声(特に伸びやかな低音域の発声)まで似ているような気がしてくる。

ハープの音色は決して唯一絶対の存在ではないものの、M2やM13はJoanna Newsomを彷彿とさせるし、多層的な声のレイヤーとシンセ・アンビエンスが溶け合うM9はポストJulia Holter的でもある。
M10のポリフォニックなアンビエント/ドローン・ポップ調の10ccの秀逸なカバーのエクスペリメンタルとチージーさが同居する様は、Weyes BloodがThe Carpentersが想起させるのと同質の感覚を齎す。

ビートは基本慎ましやかだが、M3のようにFKA TwigsやKelelaを思わせるややエレクトロニック寄りの曲もあるし、そしてストリングスと電子音の組み合わせには勿論Björkを想起せずにいられない。
突如として吃驚するほどチージーなM7はやや蛇足に感じなくもないが、リニアなビートとスムースなベースラインからはLittle Simz「Selfish」にも似た印象を受ける。

歌唱のヴァリエーションは多彩で、想起させるイメージが多様な分、その表現の肝要の部分が見え辛いのも確かで、その言わばサウンドに於けるアイデンティティの欠落は、例えばMoses Sumneyのような新世代R&B(というような抽象的で、要するに何も言っていないに等しいカテゴライズが、逆にその存在の認識不可能性を端的に言い表している)に相通ずるもので、極めて現代的なアーティストの在り方のように思える。
このリリース元が、4ADやJagjaguwarなら解るが、Columbiaのような大企業というのが如何にも現在のオルタナ/アヴァンR&Bバブルを象徴している。

Tyler, The Creator / Igor

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ウォブリーなシンセに続いて耳に飛び込むヴォーカル・チョップ混じりのファットなブレイクビーツはまるでDJ Shadowのようで90’s育ちには堪らない。
M2のスネア等には未だトラップっぽさの残滓が聴き取れるものの、生ドラムのビートへの揺り戻しはLittle Simz「Grey Area」とも共通する傾向で、トラップへの反動を燃料 にしてブレイクビーツに新しい価値が宿り初めているように思えてならない。

とは言えポップ路線は引き続きで、全体的にメロウな中にもM6のような邪悪な感じを挟み込むところ(そう言えばこのトラックの倍音や歪んだ上昇するシンセはちょっとEl-Pを彷彿とさせる)等は如何にもTylerらしく、アップリフティングなM9も前作に於けるA$AP Rockyとの共演を思い出させたりする。
前作「Flower Boy」で顕著になったメロウネスからは、弱さ脆さを包み隠さない人間的な成長が透けて見えるようだが、元からあった露悪趣味を単純に捨象するのではなく(前作のタイトルの括弧付き「Scum Fuck」の部分はその好例だろう)相反する要素を見事に調和させる事で飛躍的に表現に深みが増した感がある。
その感覚は「Syro」に於けるAphex Twinの成熟が何処か感動的であったのとも通じる(どちらも全くのジョークの可能性も無くはないが)。

管楽器やピアノ等の生楽器の音色が顕著だった前作に対して、上物もベースもシンセが基調を担っており、60’sソウルからファンクへの変遷を思わせるという意味では、Anderson .Paakの「Malibu」から「Oxnard」へと至る流れとも共振するようである。
(全然関係無いが、M11の背景で揺らぐ甲高いシンセがどう聴いてもµ-Ziq「Within A Sound」からのサンプリングにしか聴こえないのは自分だけだろうか。)

前作以上にTyler自身のラップは稀薄で、ラップの相対化はKids See Ghostsでも感じた事ではあったが、本作はより総合エンターテインメント・ポップ作品に仕上がっている。
或いは豪華なゲストを招聘して一大アミューズメント・パークの音楽化を標榜したと思しきTravis Scottとの比較も可能であろうが、本人の直接的な存在感が稀薄であるのは同じだとしても、余程こちら方が単純に愉しめるし、何よりプロデューサーとしてのTylerの存在感は前作同様に濃密である。

Flying Lotus / Flamagra

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「1983」や「Los Angeles」を彷彿とさせるM1のシャッフルするビートが待望のFlying Lotusの帰還を告げている。
タイトルもジャケットもその世界観を踏襲してはいるが、その高揚感から自分が「You're Dead!」の過剰な混沌やアヴァンギャルディズムに関心はしつつも、心からは消化出来ていなかったのだと実感する。


M2はThundercatのベースを従えた「Until The Quiet Comes」系のLAビートとジャズのキマイラで、M4のイントロのスピリチュアル・ジャズの壮大さには「You're Dead!」の成果がポップに昇華されている。
正にFlying Lotusの集大成と言える仕上りで、その整理整頓された混沌は円熟味を感じさせる。


一方で新しい要素も散在しており、本人が弾いていると言うM5等のシンプルなピアノの音色は新鮮だし、ラヴァーズ・ロック風に始まって、イーヴン・キックとエレクトリック・ベースが少しSquarepusherを彷彿とさせるフュージョン風のM8や、M23のレゲエ調のベースラインやリズムは新機軸と言って良い。
ゲーム音楽のようなM10は同時に何処かYMOっぽくもあり、Thundercat「Drunk」との共振も感じさせる。
そのThundercatが歌うM21は当たり前ではあるが「Drunk」の続きを聴いているようだ。
M12は生ドラムのビートに、懐かしささえ感じさせるオーソドックスなフロウがThe Rootsの未発表曲と言われたら信じてしまいそうなブーンバップで、M24等のストレートなドラムマシンのビートにも意外性がある。


全27曲で1時間超というヴォリュームながらヴァラエティに富んでいて全く中弛みは無く、アルバムとしての統一感があり散漫さは皆無で、ポップに洗練されているけれども勿論セルアウト等全く感じさせない。
確かに驚きも興奮も無いが、非の付けどころもまるで無い充実作で、「Cosmogramma」と共に始まった10年代の終わりにFlying Lotusが至った境地を思うと感慨深い。
さて来たる20年代、果たしてFlying Lotusに匹敵するようなブレイクスルーとなる存在は現わるだろうか。

Solange / When I Get Home

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エレクトリック・ピアノやシンセ・ベースの柔らかな音響は引き続き
スローでチルでドリーミーな感覚は前作以上。

ホーム=アトランタがテーマという事で
流石に音から直接ブラック・カウガールのイメージが喚起される訳ではないものの
トラップやスクリューといったサウスのビートが基盤になっている。

とは言え勿論、解り易くダーティーなイメージを玩ぶようなものでは決してなく
あくまで洗練を纏っているのだが。

同じフレーズを繰り返すSolangeの歌は宛ら遊び歌か何かのようで
前作には未だあった解り易いポップネスは雲散霧消している。

まるでどの曲もインタールードであるが如く
何処から何処までが一曲なのか判別が付かないようなある種のミックステープ的な在り方には
Blood Orange「Negro Swan」に共通する感覚があるし
その取り留めの無さはEarl Sweatshirt「Rap Song Songs」にも通じる。
名前を挙げた2人が共に本作にクレジットされている事を考えれば
そこに何らかの共振があると感じるのも強ち的外れでもないだろう。

この取り留めの無さの正体とは一体何か。
その答えの一つにはトラディショナルなポップ・ソングの構造
つまりはヴァースとコーラスという制度に対して
本作のヴァースがずっと続くような曲の構造に隠されている気がする。

そしてそれはKanye WestのKids See Ghostsの
どの瞬間もコーラスであるかのような感覚と表裏一体の関係にある。

それらのコーラスレス/マルチ・コーラスな構造はまた
ポップ・ミュージックにミュージック・コンクレート的意匠を持ち込んだ
OPN/Arca以降とも無関係ではないだろう。

或いは1曲の異なるパーツ毎に複数のプロデューサーを用いて構築するような
最近のヒップホップ/R&Bの制作手法とも
曲とは何かを問い直すような試みであるという点で通底しているようにも思われ
それらの実験がKanye WestSolangeといった
USという世界最大のポップ・マーケットのど真ん中で行われている事にこそ
重要な意義があるように思えてならない。

10 Best Albums Of 2018

1. Blood Orange / Negro Swan
2. Oneohtrix Point Never / Age Of
3. Stephen Malkmus And The Jicks / Sparkle Hard
4. Julia Holter / Aviary
5. Janelle Monáe / Dirty Computer
6. Kali Uchis / Isolation
7. The Internet / Hive Mind 
8. Kamasi Washington / Heaven And Earth
9. Beach House / 7
10. Earl Sweatshirt / Some Rap Songs

Marianne Faithfull / Negative Capability

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M2のNick CaveとのデュエットはPatty Smithが歌う
R.E.M.「E-Bow The Letter」を彷彿とさせるというだけで何となく絆されてしまうし
続く「As Tears Go By」も(単に耳馴染みがあるというだけだが)決して悪くはないが
M4の退屈でしみったれたフォーク・ロック・バラードで一気にげんなりさせられる。

どうもスネア・ドラムが入った瞬間に野暮ったいロック寄りのサウンドになる傾向があり
大袈裟なシンセと歪んだエレクトリック・ギターが
Hole「Nobody’s Daughter」やSmashing Pumpkins「Machina」のような
商業グランジ風のM8は完全なる蛇足と言って差し支えない。

確かに「Nobody’s Daughter」を聴いた際に
未来のCourtney Loveに期待したのは正にこんなサウンドだったかも知れないが
今となっては考えを改めざるを得ない。

魅力的な嗄れた独特の歪みを内包した声は
年輪を重ねた云々の物語よりもただ音色として面白く
それをクリアに聴かせたい意図に一定の理解は出来るが
それにしても歌の音量が演奏に比して大き過ぎる。

間奏でもメインとなるストリングス等が強調され過ぎていて
M7のメロトロン風やM10のヴィオラ等の折角の音色は掻き消されてしまっている。

多様な音色を使っているにも関わらず意識に登る事は殆ど無く
音響面でも面白味は皆無と言って良い。

ソングライティングも極めて凡庸でコメントのしようが無く
歌声以外に触れるべきところが思い当たらない。

情念たっぷりのヴァイオリンが鬱陶しいM11は石川さゆり張りで殆ど演歌に近く
こういうのは言葉を選ばずに言えば老人が演るほど退屈だ。

やはり老いて尚、と言うよりも晩年の作品であればこそ寧ろ尖っていて欲しいと思うものだが
例えばDavid Bowie「Black Star」と本作の違いは
ディレッタントとシンガーの本質的な違いだとしか思えない。

Sharon Van Etten / Remind Me Tomorrow

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Bon IverやThe National界隈の人
というイメージを持っていただけに
アタックの強いドラム音や微かにThe Cureに通じるような
少しゴスの入ったニューウェイヴといった感じのサウンドには些か意外性があった。
旧作は未聴でどの程度の変化があるのか見当が付かないが
相応に挑戦的な作品であろう事は何となく想像が付く。

M2のイントロのドラムマシンによるビートは
Smashing Pumpkins「Ava Adore」にそっくりで
M8で頻繁に挿入される歪んだシンセ・ブラス的音色も「Pug」を思い起こさせる。
尤もBilly Corganのような過剰なメランコリアやナルシズムは無くもっと乾いているが。

M5等のノイズ混じりのシンセ・ポップの
ドリーミーでサイケデリックな質感はBeach Houseに通じなくもないし
M4やM6等の80’sニューウェイヴ臭はSt. Vincentの近作を彷彿とさせたりもする。
M9のフィードバック・ノイズはなかなかに壮絶で
ギターが直接的に使われる瞬間は殆ど無くストロークも皆無だが
幾重にもレイヤーされたシンセとノイズにはシューゲイズ的な感覚もある。

アルバム全編を通じて凝り固まって退屈な
インディ・フォークやらチェンバー・ポップやらを
とにかく逸脱せんとする意思が強烈に伝わってくるが
Bon Iver程の極端な音響も無いし
先ずアウトプットとして出てきたサウンドが何れも既視感のあるものばかりで
新鮮味には欠けるし何よりフックに乏しい。